Lees meer over "The Red Studio" door Henri Matisse

Matisse krijgt zijn plaats in de tijdlijn van de schilderkunst door zijn kleurgebruik. Hij deed dingen met kleur die niemand eerder had, en beïnvloedde vele kunstenaars die volgden. Matisse's Rode Studio is belangrijk vanwege het kleurgebruik en het afgeplatte perspectief, zijn verandering van de werkelijkheid en onze perceptie van ruimte.

Hij schilderde het in 1911, na zijn blootstelling aan traditionele islamitische kunst tijdens een bezoek aan Spanje, wat zijn gebruik van patronen, decoratie en afbeelding van de ruimte beïnvloedde. Rode Studio wordt gegroepeerd met drie andere schilderijen die Matisse dat jaar deed - De familie van de schilder, De roze studio, en Interieur met aubergines - als staand "op een kruispunt voor de westerse schilderkunst, waar de klassieke naar buiten gerichte, overwegend representatieve kunst uit het verleden het voorlopige, geïnternaliseerde en zelfreferentiële ethos van de toekomst ontmoette"1.

De elementen die Matisse bevatte "zinken hun individuele identiteit in wat een langdurige meditatie werd over kunst en leven, ruimte, tijd, perceptie en de aard van de werkelijkheid zelf.

"2 Of veel eenvoudiger gezegd, hij schilderde een persoonlijke werkelijkheid, de wereld zoals hij die waarnam en beleefde, op een manier die voor hem logisch was.

Als je kijkt naar zijn eerdere schilderijen, zoals Harmony in Red, geschilderd in 1908, je zult zien dat Matisse aan het werken was naar de stijl in Rode Studio, het kwam niet uit het niets tevoorschijn.

Maar het perspectief is helemaal verkeerd...

Matisse begreep het perspectief niet "verkeerd", hij schilderde het zoals hij het wilde. Hij vlakte het perspectief in de kamer af en veranderde het vanuit hoe we perspectief met onze ogen waarnemen.

De vraag om perspectief 'goed' te krijgen, is alleen van toepassing als je probeert te schilderen in een realistische stijl, dat wil zeggen om een ​​illusie van realiteit en diepte in een schilderij te creëren. Als dat niet je doel is, kun je het perspectief niet "verkeerd" krijgen. En het is niet zo dat Matisse ook niet wist hoe hij het "goed" moest krijgen; hij koos er gewoon voor om het niet op die manier te doen.

Een schilderij is uiteindelijk een weergave of uitdrukking van iets dat in twee dimensies is herschapen, het hoeft het niet te doen als een illusie van drie dimensies. Westerse schilderstijlen vóór de Renaissance maakten geen gebruik van wat we nu beschouwen als traditioneel perspectief (bijvoorbeeld gotisch). Chinese en Japanse kunstvormen hebben dat nooit gedaan. Kubisme doorbreekt opzettelijk het perspectief en vertegenwoordigt een enkel object vanuit verschillende gezichtspunten.

Laat u niet misleiden door na te denken Rode Studio is een volledig vlak schilderij of stijl. Er is nog steeds een gevoel van diepte in de kamer, gecreëerd door de opstelling van de elementen. Er is bijvoorbeeld een lijn aan de linkerkant waar de vloer en de muur samenkomen (1). Het meubilair kan worden teruggebracht tot contouren, maar de tafelranden draaien nog steeds naar binnen als ze verder weg komen (2), net als de stoel (3). De schilderijen aan de achterkant staan ​​duidelijk tegen een muur (4), ook al is er geen scheiding tussen de zij- / achterwanden (5) in de manier waarop er tussen de vloer en de zijmuur zit. Maar we lazen de rand van het grote schilderij sowieso als in de hoek.

Je zou zelfs kunnen zeggen dat elk element van het schilderij perspectief ervaart, maar wordt gepresenteerd alsof de kunstenaar het alleen ziet. De stoel staat in tweepuntsperspectief, de tafel in één, het raam gaat ook naar een verdwijnpunt uit. Ze worden naast elkaar geplaatst, bijna een collage van verschillende opvattingen.

Een bedrieglijk eenvoudig schilderij

Ik geloof dat dit een schilderij is met een bedrieglijk eenvoudige compositie. Het lijkt misschien dat Matisse dingen op een oude plek op het doek heeft gezet, of dat hij eerst de tafel heeft geschilderd en daarna de rest van de ruimte met iets moest opvullen. Maar kijk eens hoe de opstelling van de elementen je blik rond het schilderij leidt.

Op de foto heb ik aangegeven wat voor mij de sterkste richtingslijnen zijn, door je oog van onder naar achteren omhoog te duwen vanaf de randen, rond en rond om alles in je op te nemen. Het is natuurlijk mogelijk om dit op andere manieren te zien, zoals aan de rechterkant, dan aan de overkant naar links. (Hoewel de manier waarop u een schilderij leest, wordt beïnvloed door de richting waarin u tekst leest.)

Bedenk hoe hij de verschillende elementen heeft geschilderd, die zijn teruggebracht tot contouren en die prominentie krijgen. Merk op dat er geen schaduwen zijn, maar er is een gereflecteerd hoogtepunt op het glas. Tuur naar het schilderij om de lichtgebieden te zien toon duidelijker, en hoe een eenheid in de compositie te creëren.

Je kunt het niet op de foto zien, maar de contouren worden niet bovenop het rood geschilderd, maar de kleuren onder het rood zijn zichtbaar. (Als je in aquarel werkt, moet je deze gebieden maskeren, en met acrylverf moet je het waarschijnlijk bovenop schilderen, gezien hoe snel ze drogen, maar met olie zou je dat kunnen krassen door naar de lagere kleur als die laag droog was.)

"Matisse overspoelde niet alleen zijn picturale ruimte met een vlak, monochroom meer dat volledig verzadigd was en de schuine hoek van de studio overspoelde; bovendien behandelde hij alles driedimensionaal als niets meer dan ingeschreven contouren. Ondertussen komen de enige objecten die full colour of modellering zijn toegestaan ​​vanwege hun wezen conceptueel plat over op zichzelf plat - dat is de ronde plaat op de voorgrond en de schilderijen hingen aan de muur of werden er tegenaan gestapeld het."
- Daniel Wheeler, Kunst sinds het midden van de eeuw, p16.

Een autobiografisch schilderij

De elementen in Rode Studio nodig je uit in de wereld van Matisse. Voor mij leest het 'lege' stukje op de voorgrond als vloeroppervlak, waar ik zou stappen om tussen de dingen in de studio te zijn. De elementen vormen een soort nest waarin het creatieve proces plaatsvindt.

De afgebeelde schilderijen zijn allemaal van hem, evenals de sculpturen (1 & 2). Let op de doos met potloden of houtskool (3) op de tafel, en zijn ezel (4). Maar waarom heeft de klok geen wijzers (5)?

Beschrijft Matisse het creatieve proces? De tafel fungeert als een container voor de ideeën over eten en drinken, de natuur en het materiaal van de kunstenaar; de essentie van het leven van een kunstenaar. Er is een weergave van verschillende onderwerpen: portretten, stillevens, landschap. Een venster voor verlichting. Het verstrijken van de tijd wordt zowel door de klok als door de ingelijste / niet ingelijste (onvoltooide?) Schilderijen aangegeven. Er wordt een vergelijking gemaakt met de driedimensionaliteit van de wereld met sculpturen en een vaas. Eindelijk is er contemplatie, een stoel gepositioneerd om de kunst te bekijken.

Rode Studio was aanvankelijk niet rood. In plaats daarvan 'was oorspronkelijk een blauwgrijs interieur, dat meer overeenkomt met het wit van Matisse's studio zoals het in werkelijkheid was. Dit vrij krachtige blauwgrijs is zelfs met het blote oog nog steeds te zien rond de bovenkant van de klok en onder de dunnere verf aan de linkerkant. Wat Matisse ertoe dwong zijn atelier met dit oogverblindende rood te transformeren, is besproken: het is zelfs gesuggereerd dat het op de meest perceptuele manieren werd gestimuleerd door het nabeeld van groen uit de tuin op een warme dag."
- John Gage, Kleur en cultuur P212.

In haar biografie (pagina 81) Hilary Spurling zegt: "Bezoekers van Issy [Matisse's Studio] begrepen meteen dat niemand zoiets eerder had gezien of gedacht... [Het schilderij van de Rode Studio] zag eruit als een vrijstaand wandsegment met rudimentaire objecten eraan zwevend of opgehangen... Vanaf nu (1911) schilderde hij werkelijkheden die alleen in zijn geest bestonden."

Het is niet eens goed geschilderd...

• 'Het lijkt erop dat hij niet kan beslissen waar hij de dingen moet neerzetten.'
• "Het is gewoon een mengelmoes van stukjes zonder rekening te houden met compositorisch ontwerp."
• 'Hij had zijn gevoelens over deze kamer met zijn stukken op een veel aangenamere manier kunnen uitbeelden en had het misschien niet hoeven uit te leggen.'
• "De stukken zijn niet eens goed geverfd."

Opmerkingen zoals deze (gemaakt op het Painting Forum) roepen de vraag op: "Wat definieert u als 'goed geschilderd'?" Moet het met realistische, fijne details zijn? Bedoel je schilderkunstig waar je duidelijk kunt zien wat het is, maar er ook een gevoel is van de verf- / penseelstreken die zijn gebruikt om de afbeelding te maken? Kan het een gevoel van iets overbrengen zonder fijne details? Is een zekere mate van abstractie acceptabel?

Het komt uiteindelijk neer op persoonlijke voorkeur, en we hebben het geluk in een tijdperk te leven waarin zoveel stijlen bestaan. Maar alleen het schilderen van objecten, zodat ze eruitzien als realistische representaties van zichzelf, beperkt naar mijn mening in hoge mate het potentieel van verf. Realisme is slechts één stijl van schilderen. Het voelt voor veel mensen "goed" vanwege de invloed van fotografie, dat wil zeggen dat het beeld er precies zo uitziet als het ding dat het vertegenwoordigt. Maar dat beperkt zo het potentieel van het medium (en fotografie trouwens).

Weten wat je wel en niet leuk vindt, maakt deel uit van het ontwikkelen van je eigen stijl. Maar het werk van een kunstenaar afwijzen zonder erachter te komen waarom je het niet leuk vindt of te weten waarom het als een Big Deal wordt beschouwd, is om een ​​mogelijke ontdekkingsroute af te sluiten. Onderdeel van schilder zijn is openstaan ​​voor mogelijkheden, om te experimenteren, gewoon om te zien waar het je kan brengen. Onverwachte dingen kunnen uit onverwachte bronnen komen. Keer op keer krijg ik e-mails van mensen die verschillende hebben aangepakt Schilderprojecten Ze zeiden dat ze nog nooit zoiets hadden gedaan en waren aangenaam verrast door de resultaten. Bijvoorbeeld: The Worrier and Pinpointing the Problem!.

Ik denk niet dat ik de schilderijen van Matisse ooit leuk zal vinden

Van het werk van een kunstenaar houden is niet hetzelfde als het belang ervan binnen de kunsttijdlijn begrijpen. We zijn tegenwoordig zo gewend aan een 'verkeerd' perspectief dat we er niet veel over nadenken (of we het nu leuk vinden of niet). Maar op een bepaald moment was een kunstenaar de eerste die dit deed.

Onderdeel van de waardering van De rode studio komt voort uit de context waarin Matisse werkte en het concept, niet alleen het eigenlijke schilderij. Een vergelijkbaar voorbeeld zijn de kleurenveldschilderijen van Rothko; het is moeilijk voor te stellen dat het bedekken van een canvas met alleen kleur ongekend was.

Wie als meester in de boeken wordt geschreven, is een kwestie van mode en tot op zekere hoogte geluk, in de juiste plaatsen of galerijen op het juiste moment, met academici en curatoren die onderzoek doen naar en schrijven over uw werk. Matisse maakte een periode door waarin hij werd afgedaan als louter decoratief (en erger), maar werd opnieuw geëvalueerd en kreeg een meer prominente rol. Nu staat hij hoog aangeschreven vanwege zijn eenvoud, zijn kleurgebruik, zijn ontwerp.