Een snelle rondleiding door de kunst door de eeuwen heen

Trek je verstandige schoenen aan terwijl we aan boord gaan extreem verkorte rondleiding door de kunst door de eeuwen heen. Het doel van dit stuk is om de hoogtepunten te raken en je de meest basale basis te geven over de verschillende tijdperken in de kunstgeschiedenis.

Paleolithicum volkeren waren strikt jager-verzamelaars en het leven was zwaar. Mensen maakten een gigantische sprong in het abstracte denken en begonnen in die tijd kunst te creëren. Het onderwerp concentreerde zich op twee dingen: voedsel en de noodzaak om meer mensen te creëren.

Het ijs trok zich terug en het leven werd een beetje makkelijker. De Mesolithische periode (dat in Noord-Europa langer duurde dan in het Midden-Oosten) zag het schilderen uit de grotten en op rotsen komen. De schilderkunst werd ook symbolischer en abstracter.

Snel vooruit naar de Neolithische leeftijd, compleet met landbouw en huisdieren. Nu er meer voedsel was, hadden mensen de tijd om nuttige hulpmiddelen zoals schrijven en meten uit te vinden. Het meetgedeelte moet handig zijn geweest voor de megalithenbouwers.

Opgemerkt moet worden dat kunst uit het "steentijdperk" tot op heden over de hele wereld bleef bloeien voor een aantal culturen. 'Etnografisch' is een handige term die hier betekent: 'Ik ga niet zoals westerse kunst.'

Het "land tussen de rivieren" zag een verbazingwekkend aantal culturen opklimmen - en afnemen - van de macht. De Sumeriërs gaf ons ziggoerats, tempels en veel sculpturen van goden. Wat nog belangrijker is, ze verenigden natuurlijke en formele elementen in de kunst. De Akkadiërs introduceerde de overwinningsstele, wiens houtsnijwerk ons ​​voor altijd herinnert aan hun bekwaamheid in de strijd. De Babyloniërs verbeterd op de stele, die het gebruikte om de eerste uniforme wet te registreren. De Assyriërs liep los met architectuur en beeldhouwkunst, zowel in reliëf als in het rond. Uiteindelijk was het de Perzen die het hele gebied - en zijn kunst - op de kaart hebben gezet toen ze aangrenzende landen veroverden.

Kunst in het oude Egypte was kunst voor de doden. De Egyptenaren bouwden graven, piramides (uitgebreide graven) en de sfinx (ook een graftombe) en versierden ze met kleurrijke afbeeldingen van de goden die volgens hen regeerden in het hiernamaals.

De Minoan cultuur, op Kreta, en de Myceners in Griekenland bracht ons fresco's, open en luchtige architectuur en marmeren idolen.

De Grieken introduceerden humanistisch onderwijs, wat tot uiting komt in hun kunst. Keramiek, schilderkunst, architectuur en beeldhouwkunst evolueerden tot uitgebreide, zeer handgemaakte en gedecoreerde objecten die de grootste creatie van allemaal verheerlijkten: mensen.

Op het Italiaanse schiereiland omarmden de Etrusken de Bronstijd op grote schaal sculpturen te produceren die opvallen omdat ze gestileerd, versierd en vol impliciete bewegingen zijn. Ze waren ook enthousiaste producenten van graven en sarcofagen, niet anders dan de Egyptenaren.

Toen ze bekend werden, probeerden de Romeinen eerst uit te roeien Etruskische kunst, gevolgd door talloze aanvallen op Griekse kunst. Vrijelijk leenend van deze twee veroverde culturen, creëerden de Romeinen hun eigen stijl, een stijl die steeds meer voor stond macht. Architectuur werd monumentaal, sculpturen verbeelden hernoemde goden, godinnen en vooraanstaande burgers en in de schilderkunst werd het landschap geïntroduceerd en werden fresco's enorm.

Vroegchristelijke kunst valt in twee categorieën: die van de periode van vervolging (tot het jaar 323) en die erna Constantijn de Grote erkend christendom: de periode van erkenning. De eerste staat vooral bekend om de constructie van catacomben en draagbare kunst die kan worden verborgen. De tweede periode wordt gekenmerkt door de actieve bouw van kerken, mozaïeken en de opkomst van de boekenproductie. De sculptuur werd alleen gedegradeerd tot werken in reliëf - al het andere zou als 'gesneden beelden' worden beschouwd.

Geen abrupte overgang, zoals de data impliceren, de Byzantijnse stijl week geleidelijk af van de vroegchristelijke kunst, net zoals de oosterse kerk verder van de westerse af groeide. Byzantijnse kunst wordt gekenmerkt door abstracter en symbolischer te zijn en minder betrokken bij enige pretentie van diepte - of de zwaartekracht - die zichtbaar is in schilderijen of mozaïeken. Architectuur werd behoorlijk gecompliceerd en koepels overheersten.

Tot op de dag van vandaag staat islamitische kunst bekend als zeer decoratief. De motieven vertalen zich prachtig van een kelk naar een kleed naar het Alhambra. Islam heeft verboden tegen afgoderij, dus we hebben weinig picturale geschiedenis als resultaat.

Deze jaren waren behoorlijk chaotisch in Europa, aangezien barbaarse stammen plaatsen zochten (en zochten en zochten) om zich te vestigen. Regelmatige oorlogen braken uit en constante etnische verplaatsing was de norm. Kunst was in deze periode noodzakelijkerwijs klein en draagbaar, meestal in de vorm van decoratieve spelden of armbanden. De stralende uitzondering op dit "donkere" tijdperk in de kunst deed zich voor in Ierland, dat het grote geluk had aan een invasie te ontsnappen. Voor een tijdje.

Karel de Grote bouwde een rijk dat zijn geruzie en onbeholpen kleinzonen niet overleefde, maar de culturele heropleving die het rijk voortbracht, bleek duurzamer. Kloosters werden kleine steden waar manuscripten in massa werden geproduceerd. Goudsmeden en het gebruik van edelstenen en halfedelstenen waren in zwang.

De Saksisch Koning Otto I besloot dat hij kon slagen waar Karel de Grote faalde. Dit lukte ook niet, maar Ottoniaanse kunst, met zijn zware Byzantijnse invloeden, blies beeldhouwkunst, architectuur en metaalbewerking nieuw leven in.

Voor het eerst in de geschiedenis wordt kunst beschreven met een term andere dan de naam van een cultuur of beschaving. Europa werd meer een samenhangende entiteit en werd bij elkaar gehouden door het christendom en het feodalisme. Door de uitvinding van het tongewelf konden kerken kathedralen worden en beeldhouwkunst werd een integraal onderdeel van de architectuur. Ondertussen ging het schilderen voornamelijk verder in verluchte handschriften.

'Gothic' werd voor het eerst bedacht om (denigrerend) de architectuurstijl van dit tijdperk te beschrijven, die lang doorging nadat beeldhouwkunst en schilderkunst hun bedrijf hadden verlaten. De gotische boog stond toe dat er grote, hoge kathedralen werden gebouwd, die vervolgens werden versierd met de nieuwe technologie van glas in lood. Ook in deze periode beginnen we meer individuele namen van schilders en beeldhouwers te leren - van wie de meesten graag alle dingen gotisch achter zich willen laten. In feite, beginnend rond 1200, allerlei wilde artistieke innovaties vonden plaats in Italië.

Dit was het Gouden eeuw van Florence. De machtigste familie, de Medici (bankiers en welwillende dictators), besteedde rijkelijk eindeloze fondsen voor de glorie en verfraaiing van hun republiek. Kunstenaars kwamen binnen voor een deel van de grootsheid en bouwden, vormden, schilderden en begonnen uiteindelijk actief "kunstregels" in vraag te stellen. Kunst werd op haar beurt merkbaar individueler.

Alle erkende meesterwerken uit de lompe term "Renaissance"zijn gemaakt tijdens deze jaren. Leonardo, Michelangelo, Raphael en het bedrijf hebben dit gemaakt overtreffen meesterwerken, in feite dat bijna elke kunstenaar, voor altijd daarna, niet eens proberen om in deze stijl te schilderen. Het goede nieuws was dat hierdoor Renaissance Greatswerd kunstenaar worden nu als acceptabel beschouwd.

Hier hebben we nog een primeur: een abstract term voor een artistiek tijdperk. Renaissance-kunstenaars, na de dood van Raphael, bleven schilderen en beeldhouwkunst verfijnen, maar ze zochten geen nieuwe eigen stijl. In plaats daarvan creëerden ze in het technische manier van hun voorgangers.

Elders in Europa deed zich een wedergeboorte voor, maar niet in duidelijk omschreven stappen zoals in Italië. Landen en koninkrijken waren druk bezig met jockeyen om bekendheid (vechten), en er was die opmerkelijke breuk met de katholieke kerk. Kunst nam de achterbank van deze andere gebeurtenissen en stijlen gingen van gotisch naar Renaissance naar barok in een soort van niet-samenhangende, artiest per artiest basis.

Humanisme, de Renaissance en de Reformatie (onder andere) werkten samen om de middeleeuwen voor altijd achter zich te laten en kunst werd door de massa geaccepteerd. Kunstenaars uit de barokperiode introduceerden menselijke emoties, passie en nieuw wetenschappelijk inzicht hun werken - waarvan vele religieuze thema's behielden, ongeacht welke kerk de kunstenaars dierbaar waren.

In wat sommigen een onverstandige beweging zouden achten, nam Rococo de barokke kunst van 'een lust voor het oog' tot regelrechte visuele gulzigheid. Als kunst of architectuur verguld, verfraaid of anderszins de "top" kon overnemen, voegde Rococo deze elementen woest toe. Als periode was het (gelukkig) kort.

Tegen die tijd was het allemaal zo losgekomen dat twee verschillende stijlen konden concurreren om dezelfde markt. Het neoclassicisme werd gekenmerkt door een getrouwe studie (en kopie) van de klassiekers, gecombineerd met het gebruik van elementen die aan het licht kwamen door de nieuwe wetenschap van de archeologie. De romantiek tartte daarentegen een gemakkelijke karakterisering. Het was meer een houding—Een aanvaardbaar gemaakt door de Verlichting en het aanbreken van het sociale bewustzijn. Van deze twee had de romantiek vanaf dat moment veel meer invloed op de kunst.

Onbewust van de twee bovenstaande bewegingen, de Realisten ontstond (eerst rustig, daarna vrij luid) met de overtuiging dat geschiedenis geen betekenis had en kunstenaars niets moesten weergeven dat ze niet persoonlijk hadden meegemaakt. In een poging om 'dingen' te ervaren, raakten ze betrokken bij sociale oorzaken en, niet verrassend, bevonden ze zich vaak aan de verkeerde kant van het gezag. Realistische kunst maakte zich steeds meer los van vorm en omarmde licht en kleur.

Waar het realisme zich van de vorm verwijderde, gooide het impressionisme vorm uit het raam. De impressionisten deden hun naam eer aan (die ze zelf zeker niet hadden bedacht): kunst was een impressie en kon als zodanig geheel door licht en kleur worden weergegeven. De wereld was eerst verontwaardigd over hun brutaliteit en accepteerde het vervolgens. Met acceptatie kwam het einde van het impressionisme als beweging. Missie volbracht; kunst was nu vrij om te verspreiden op welke manier dan ook.

De Impressionisten veranderde alles toen hun kunst werd geaccepteerd. Vanaf dat moment hadden kunstenaars de vrije hand om te experimenteren. Zelfs als het publiek de resultaten verafschuwde, was het nog steeds kunst en kreeg het dus een zeker respect. Bewegingen, scholen en stijlen - in duizelingwekkend aantal - kwamen, gingen, liepen van elkaar uiteen en gingen soms samen.

Er is echt geen manier om akkoord te gaan allemaal van deze entiteiten zelfs een korte vermelding hier, dus we zullen nu slechts een paar van de bekendere namen behandelen.

Dit is een handige titel voor wat geen beweging was, maar een groep kunstenaars (voornamelijk Cézanne, Van Gogh, Seurat en Gauguin) die voorbij het impressionisme gingen en verder gingen naar andere, afzonderlijke inspanningen. Ze hielden het licht en de kleur die het impressionisme bracht, maar probeerden enkele van de andere elementen te plaatsen van kunst - vorm en lijn bijvoorbeeld - terug in kunst.

De Fauves ("wilde beesten") waren Franse schilders onder leiding van Matisse en Rouault. De beweging die ze creëerden, met zijn wilde kleuren en afbeeldingen van primitieve objecten en mensen, werd bekend als het expressionisme en verspreidde zich met name naar Duitsland.

In Frankrijk hebben Picasso en Braque uitgevonden Kubisme, waar organische vormen werden opgesplitst in een reeks geometrische vormen. Hun uitvinding zou essentieel zijn voor de Bauhaus in de komende jaren, evenals het inspireren van de eerste moderne abstracte sculptuur.

Ondertussen werd in Italië het futurisme gevormd. Wat begon als een literaire beweging, evolueerde naar een kunststijl die machines en het industriële tijdperk omarmde.

Surrealisme ging over het ontdekken van de verborgen betekenis van dromen en het uitdrukken van het onderbewustzijn. Het was geen toeval dat Freud zijn baanbrekende psychoanalytische studies al had gepubliceerd voordat deze beweging opkwam.

De Tweede Wereldoorlog (1939–1945) onderbrak alle nieuwe stromingen in de kunst, maar de kunst kwam in 1945 met wraak terug. Komend uit een verscheurde wereld, Abstract expressionisme gooide alles weg - inclusief herkenbare vormen - behalve zelfexpressie en rauwe emotie.

In reactie op het abstract expressionisme verheerlijkte popart de meest alledaagse aspecten van de Amerikaanse cultuur en noemde ze kunst. Het was pret kunst. En halverwege de jaren 60, Op (een afkorting voor optische illusie) Kunst kwam op het toneel, net op tijd om mooi samen te gaan met de psychedelische muziek.

Kunst is de afgelopen jaren razendsnel veranderd. We hebben de komst van gezien uitvoerende kunst, conceptuele kunst, digitale kunst en shock art, om maar een paar nieuwe aanbiedingen te noemen.

Ideeën in de kunst blijven veranderen en vooruitgaan. Maar als we op weg zijn naar een meer globale cultuur, zal onze kunst ons altijd herinneren aan ons collectieve en respectieve verleden.