54 beroemde schilderijen gemaakt door beroemde kunstenaars

Een beroemde artiest zijn tijdens je leven is geen garantie dat andere artiesten je zullen herinneren. Kent u de Franse schilder Ernest Meissonier?

Hij was een tijdgenoot van Edouard Manet en verreweg de meest succesvolle kunstenaar wat betreft lovende kritieken en verkoop. Het omgekeerde is ook waar, met Vincent van Gogh. Van Gogh vertrouwde op zijn broer Theo om hem te voorzien van verf en canvas, maar vandaag halen zijn schilderijen recordprijzen op wanneer ze op een kunstveiling verschijnen, en hij is een begrip.

Als je naar beroemde schilderijen uit heden en verleden kijkt, kun je veel dingen leren, waaronder compositie en omgaan met verf. Hoewel waarschijnlijk de belangrijkste les is dat je uiteindelijk voor jezelf moet schilderen, niet voor een markt of nageslacht.

"Nachtwacht" - Rembrandt

Het schilderij "Nachtwacht" door Rembrandt is in de Rijksmuseum in Amsterdam. Zoals de foto laat zien, is het een enorm schilderij: 363x437cm (143x172 ").

Rembrandt voltooide het in 1642. De echte titel is "The Company of Frans Banning Cocq and Willem van Ruytenburch", maar het is beter bekend als de Nachtwacht. (Een bedrijf dat een militiebewaker is).

De samenstelling van het schilderij was voor die periode heel anders. In plaats van de figuren op een nette, geordende manier te tonen, waarbij iedereen dezelfde prominentie en ruimte op het doek kreeg, heeft Rembrandt ze geschilderd als een drukke groep in actie.

Rond 1715 werd op de "Nachtwacht" een schild geschilderd met de namen van 18 personen, maar slechts enkele namen waren ooit geïdentificeerd. (Dus onthoud als je een groepsportret schildert: teken een diagram op de achterkant met de namen van iedereen die zo toekomst heeft generaties zullen het weten!) In maart 2009 ontrafelde de Nederlandse historicus Bas Dudok van Heel eindelijk het mysterie van wie is wie in de schilderen. Zijn onderzoek vond zelfs kledingstukken en accessoires afgebeeld in de "Nachtwacht" genoemd in inventarissen van familie landgoederen, die hij vervolgens verzamelde met de leeftijd van de verschillende militieleden in 1642, het jaar waarin het schilderij was voltooid.

Dudok van Heel ontdekte ook dat in de hal waar Rembrandts "Nachtwacht" voor het eerst hing, zes groep portretten van een militie die oorspronkelijk in een doorlopende reeks werden getoond, niet zes afzonderlijke schilderijen zoals lang geleden gedachte. In plaats daarvan vormden de zes groepsportretten van Rembrandt, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart en Flinck een ononderbroken fries die elk bij elkaar paste en vastzat in de houten lambrisering van de kamer. Of, dat was de bedoeling. Rembrandts "Nachtwacht" past in compositie of kleur niet bij de andere schilderijen. Het lijkt erop dat Rembrandt zich niet aan de voorwaarden van zijn opdracht hield. Maar als hij dat wel had gedaan, hadden we nooit dit opvallend andere 17e-eeuwse groepsportret gehad.

"Haas" - Albrecht Dürer

Meestal aangeduid als het konijn van Dürer, noemt de officiële titel van dit schilderij het een haas. Het schilderij bevindt zich in de vaste collectie van de Batliner-collectie van de Albertina Museum in Wenen, Oostenrijk.

Het is geverfd met waterverf en gouache, met de witte highlights in gouache (in plaats van het ongeverfde wit van het papier te zijn).

Het is een spectaculair voorbeeld van hoe bont kan worden geverfd. Om het na te bootsen, hangt de aanpak die u kiest af van hoeveel geduld u heeft. Als je wat hebt, schilder je met een dunne borstel, haar voor haar. Gebruik anders een droge borsteltechniek of splits de haren op een borstel. Geduld en uithoudingsvermogen zijn essentieel. Werk te snel op natte verf, en de afzonderlijke slagen lopen het risico te vermengen. Ga niet lang genoeg door en de vacht zal versleten lijken.

Sixtijnse Kapel Plafond Fresco - Michelangelo

Het schilderij van Michelangelo van het plafond van de Sixtijnse Kapel is een van de beroemdste fresco's ter wereld.

De Sixtijnse Kapel is een grote kapel in het Apostolisch Paleis, de officiële residentie van de paus (de leider van de katholieke kerk) in Vaticaanstad. Het heeft veel fresco's die zijn geschilderd door enkele van de grootste namen uit de Renaissance, waaronder muurfresco's van Bernini en Raphael, maar is het meest bekend om de fresco's op het plafond van Michelangelo.

Michelangelo werd geboren op 6 maart 1475 en stierf op 18 februari 1564. In opdracht van paus Julius II werkte Michelangelo aanhet plafond van de Sixtijnse Kapel van mei 1508 tot oktober 1512 (er werd geen werk verricht tussen september 1510 en augustus 1511). De kapel werd ingehuldigd op 1 november 1512, op het feest van Allerheiligen.

De kapel is 40,23 meter lang, 13,40 meter breed en het plafond 20,70 meter boven de grond op het hoogste punt¹. Michelangelo schilderde een reeks bijbelse taferelen, profeten en de voorouders van Christus, evenals trompe l'oeil of architectuurkenmerken. Het hoofdgedeelte van het plafond toont verhalen uit verhalen uit het boek Genesis, inclusief de schepping van de mensheid, de val van de mens uit de gratie, de zondvloed en Noach.

Sixtijnse kapelplafond: een detail

Het paneel met de schepping van de mens is waarschijnlijk de bekendste scène in het beroemde fresco van Michelangelo op het plafond van de Sixtijnse Kapel.

De Sixtijnse Kapel in het Vaticaan heeft veel fresco's erin geschilderd, maar is het meest bekend om de fresco's op het plafond van Michelangelo. Uitgebreide restauraties werden uitgevoerd tussen 1980 en 1994 door Vaticaanse kunstexperts, waarbij eeuwenlange rook uit kaarsen werd verwijderd en eerdere restauratiewerkzaamheden werden uitgevoerd. Dit onthulde kleuren veel helderder dan eerder werd gedacht.

Pigmenten die Michelangelo gebruikte, waren oker voor rood en geel, ijzersilicaten voor groen, lapis lazuli voor blauw en houtskool voor zwart.¹ Niet alles is zo gedetailleerd geschilderd als het op het eerste gezicht lijkt. Zo zijn figuren op de voorgrond gedetailleerder geschilderd dan die op de achtergrond, wat bijdraagt ​​aan het gevoel van diepte in het plafond.

Meer over de Sixtijnse Kapel:

• Vaticaanse musea: Sixtijnse Kapel
• Virtuele rondleiding door de Sixtijnse Kapel

Bronnen:
1 Vaticaanse musea: de Sixtijnse kapel, website Vaticaanstad, geraadpleegd op 9 september 2010.

Leonardo da Vinci Notitieboekje

De renaissancekunstenaar Leonardo da Vinci is niet alleen beroemd om zijn schilderijen, maar ook om zijn notitieboekjes. Deze foto toont er een in het V&A Museum in Londen.

Het V&A Museum in Londen heeft vijf notitieboekjes van Leonardo da Vinci in zijn collectie. Deze, bekend als Codex Forster III, werd tussen 1490 en 1493 door Leonardo da Vinci gebruikt toen hij in Milaan werkte voor hertog Ludovico Sforza.

Het is een klein notitieboekje, het formaat dat je gemakkelijk in een jaszak kunt bewaren. Het staat vol met allerlei ideeën, aantekeningen en schetsen, waaronder "schetsen van de benen van een paard, tekeningen van hoeden en kleding die misschien ideeën waren voor kostuums bij ballen, en een verslag van de anatomie van de mens hoofd."¹ Hoewel je de pagina's van het notitieboekje in het museum niet kunt omslaan, kun je er wel online doorheen bladeren.

Het lezen van zijn handschrift is niet gemakkelijk, tussen de kalligrafische stijl en zijn gebruik van spiegelschrift (achterwaarts, van rechts naar links) maar sommigen vinden het fascinerend om te zien hoe hij alle soorten in één combineert notitieboekje. Het is een werkend notitieboekje, geen pronkstuk. Als je je ooit zorgen hebt gemaakt dat je creativiteit dagboek was op de een of andere manier niet correct gedaan of georganiseerd, neem dan de leiding van deze meester: doe het zoals je nodig hebt.

<sub>Bron:
1. Verken de Forster Codices, V&A Museum. (Toegang tot 8 augustus 2010.)</sub>

"The Mona Lisa" - Leonardo da Vinci

Leonardo da VinciHet schilderij "Mona Lisa", in het Louvre in Parijs, is misschien wel het beroemdste schilderij ter wereld. Het is waarschijnlijk ook het bekendste voorbeeld van sfumato, een schildertechniek die gedeeltelijk verantwoordelijk is voor haar raadselachtige glimlach.

Er is veel gespeculeerd over wie de vrouw op het schilderij was. Er wordt gedacht dat het een portret is van Lisa Gherardini, de vrouw van een Florentijnse lakenhandelaar genaamd Francesco del Giocondo. (De 16e-eeuwse kunstschrijver Vasari was een van de eersten die dit suggereerde in zijn "Lives of the Artists"). Er is ook gesuggereerd dat de reden voor haar glimlach was dat ze zwanger was.

Kunsthistorici weten het Leonardo was in 1503 begonnen met de "Mona Lisa", zoals in dat jaar werd vastgelegd door een hoge Florentijnse functionaris, Agostino Vespucci. Als hij klaar is, is het minder zeker. Het Louvre dateerde oorspronkelijk uit 1503-06, maar ontdekkingen in 2012 suggereren dat het misschien wel een tien jaar later voordat het klaar was, omdat de achtergrond was gebaseerd op een tekening van rotsen waarvan bekend is dat hij er in heeft gedaan 1510-15.¹ Het Louvre veranderde de data in maart 2012 in 1503-1919.

Bron:
1. Mona Lisa had tien jaar later kunnen worden voltooid dan werd gedacht in The Art Newspaper, door Martin Bailey, 7 maart 2012 (geraadpleegd op 10 maart 2012)

Beroemde schilders: Monet in Giverny

Referentiefoto's voor schilderen: Monet's "Tuin in Giverny."

Een deel van de reden waarom de impressionistische schilder Claude Monet zo beroemd is, zijn zijn schilderijen van de reflecties in de lelievijvers die hij in zijn grote tuin in Giverny creëerde. Het inspireerde jarenlang, tot aan het einde van zijn leven. Hij schetste ideeën voor schilderijen geïnspireerd door de vijvers, en hij maakte kleine en grote schilderijen, zowel als individuele werken als als series.

De handtekening van Claude Monet

Dit voorbeeld van hoe Monet zijn schilderijen signeerde, is van een van zijn waterlelieschilderijen. U kunt zien dat hij het heeft ondertekend met een naam en achternaam (Claude Monet) en het jaartal (1904). Het zit in de rechter benedenhoek, ver genoeg zodat het niet door het frame wordt afgesneden.

De volledige naam van Monet was Claude Oscar Monet.

"Impression Sunrise" - Monet

Dit schilderij van Monet gaf de naam aan de impressionistische stijl van kunst. Hij exposeerde het in 1874 in Parijs in wat bekend werd als de eerste impressionistische tentoonstelling.

In zijn recensie van de tentoonstelling, die hij 'Tentoonstelling van impressionisten' noemde, zei kunstcriticus Louis Leroy:

"Behang in embryonale staat is meer afgewerkt dan dat zeegezicht."

<sub>Bron:
1. "L'Exposition des Impressionnistes" door Louis Leroy, Le Charivari, 25 april 1874, Parijs. Vertaald door John Rewald in De geschiedenis van het impressionisme, Moma, 1946, blz. 256-61; geciteerd in Salon to Biennial: Exhibitions that Made Art History door Bruce Altshuler, Phaidon, p42-43.</sub>

Serie "Hooibergen" - Monet

Monet schilderde vaak een serie van hetzelfde onderwerp om de veranderende effecten van het licht vast te leggen, waarbij hij doeken verwisselde naarmate de dag vorderde.

Monet schilderde keer op keer veel onderwerpen, maar elk van zijn serie schilderijen is anders, of het nu een schilderij van een waterlelie is of een hooiberg. Omdat de schilderijen van Monet verspreid zijn in collecties over de hele wereld, worden zijn serie schilderijen meestal alleen in speciale tentoonstellingen als een groep gezien. Gelukkig is de Art Institute in Chicago heeft verschillende van Monet's hooibergen schilderijen in zijn collectie, omdat ze indrukwekkend maken samen kijken:

• Stapel tarwe
• Ontdooien, zonsondergang
• Zonsondergang, sneeuweffect
• Sneeuweffect, bewolkte dag
• Einde van de zomer

In oktober 1890 schreef Monet een brief aan de kunstcriticus Gustave Geffroy over de hooibergenreeks die hij aan het schilderen was, waarin hij zei:

"Ik ben er hard in, hardnekkig werk ik aan een reeks verschillende effecten, maar in deze tijd van het jaar gaat de zon zo snel onder dat het onmogelijk is hem bij te houden... hoe verder ik kom, hoe meer ik zie dat er veel werk verzet moet worden om weer te geven wat ik zoek: 'instantaniteit', vooral de 'envelop', hetzelfde licht verspreidt zich over alles... Ik word steeds meer geobsedeerd door de behoefte om weer te geven wat ik ervaar, en ik bid dat ik nog een paar goede jaren over heb, omdat ik denk dat ik in die richting enige vooruitgang kan boeken... " ¹

<sup>Bron: ​
1. Monet door hemzelf, p172, uitgegeven door Richard Kendall, MacDonald & Co, Londen, 1989.</sup>

"Waterlelies" - Claude Monet

Claude Monet, "Waterlelies", c. 19140-17, olieverf op doek. Maat 65 3/8 x 56 inch (166,1 x 142,2 cm). In de collectie van de Musea voor Schone Kunsten van San Francisco.

Monet is misschien wel de beroemdste van de impressionisten, vooral vanwege zijn schilderijen van de reflecties in de lelievijver in zijn Giverny-tuin. Dit specifieke schilderij toont een klein wolkje in de rechterbovenhoek en de gevlekte blauwtinten van de lucht zoals weerspiegeld in het water.

Als je foto's van Monets tuin bestudeert, zoals deze van Monet's lelievijver en deze met leliebloemen, en ze vergelijkt met dit schilderij, zul je een idee krijgen van hoe Monet details in zijn kunst reduceerde, inclusief alleen de essentie van de scène, of de indruk van de weerspiegeling, water en lelie bloem. Klik op de link "Bekijk volledige grootte" onder de foto hierboven voor een grotere versie waarin het gemakkelijker is om een ​​idee te krijgen van Monet's penseelvoering.

De Franse dichter Paul Claudel zei:

"Dankzij water is [Monet] de schilder geworden van wat we niet kunnen zien. Hij richt zich op dat onzichtbare spirituele oppervlak dat licht scheidt van reflectie. Luchtige azuurblauwe gevangene van vloeibare azuurblauwe... Kleur stijgt op van de bodem van het water in wolken, in draaikolken. "

^Bron:
Pagina 262 Kunst van onze eeuw, door Jean-Louis Ferrier en Yann Le Pichon

De handtekening van Camille Pissarro

De schilder Camille Pissarro is over het algemeen minder bekend dan veel van zijn tijdgenoten (zoals Monet), maar heeft een unieke plek in de kunsttijdlijn. Hij werkte zowel als impressionist als neo-impressionist, en beïnvloedde ook nu beroemde kunstenaars zoals Cézanne, Van Gogh en Gauguin. Hij was de enige kunstenaar die op alle acht van de Impressionistische tentoonstellingen in Parijs van 1874 tot 1886.

Van Gogh Zelfportret (1886/1887)

Deze portret door Vincent van Gogh is in de collectie van het Art Institute of Chicago. Het is geverfd in een stijl die lijkt op pointillisme, maar houdt niet strikt vast aan alleen punten.

In de twee jaar dat hij in Parijs woonde, van 1886 tot 1888, schilderde Van Gogh 24 zelfportretten. Het Art Institute of Chicago beschreef deze als een toepassing van Seurats 'punttechniek', niet als een wetenschappelijke methode, maar als 'een intensieve emotionele taal "waarin" de rode en groene stippen storend zijn en volledig in overeenstemming met de nerveuze spanning die zichtbaar is in van Gogh's staren. "

In een brief een paar jaar later aan zijn zus, Wilhelmina, schreef Van Gogh:

"Ik heb de laatste tijd twee foto's van mezelf geschilderd, waarvan er één nogal het ware karakter heeft, denk ik, hoewel ze in Nederland waarschijnlijk de spot drijven met de ideeën over portretschilderen die beginnen te ontkiemen hier... Ik vind foto's altijd weerzinwekkend, en ik hou er niet van om ze in de buurt te hebben, vooral niet die van personen die ik ken en waar ik van hou... fotografische portretten verdorren veel eerder dan wijzelf, terwijl het geschilderde portret iets is dat wordt gevoeld, gedaan met liefde of respect voor de geportretteerde mens. "

Bron:
Brief aan Wilhelmina van Gogh, 19 september 1889

De handtekening van Vincent van Gogh

Het nachtcafé van Van Gogh is nu in de collectie van de Yale University Art Gallery. Het is bekend dat Van Gogh alleen die schilderijen signeerde waar hij bijzonder tevreden over was, maar wat in het geval van dit schilderij ongebruikelijk is, is dat hij een titel toevoegde onder zijn handtekening, "Le café de Nuit".
Merk op dat Van Gogh zijn schilderijen simpelweg 'Vincent' signeerde, niet 'Vincent van Gogh' of 'Van Gogh'.

In een brief aan zijn broer Theo, geschreven op 24 maart 1888, zei hij:

"In de toekomst zou mijn naam in de catalogus moeten komen zoals ik hem signeer, namelijk Vincent en niet Van Gogh, om de simpele reden dat ze niet weten hoe ze die laatste naam hier moeten uitspreken."

"Hier" zijnde Arles, in het zuiden van Frankrijk.
Als je je hebt afgevraagd hoe je Van Gogh uitspreekt, onthoud dan dat het een Nederlandse achternaam is, niet Frans of Engels. Dus de "Gogh" wordt uitgesproken, dus het rijmt op het Schotse "loch". Het is niet "goff" noch "go".

De sterrennacht - Vincent van Gogh

Dit schilderij, wellicht het bekendste schilderij van Vincent van Gogh, bevindt zich in de collectie van de museum van Moderne Kunst in New York.
Van Gogh schilderde De sterrennacht in juni 1889, nadat hij de morgenster had genoemd in een brief aan zijn broer Theo die rond 2 juni 1889 schreef: "Vanmorgen heb ik lang voor zonsopgang het land vanuit mijn raam zag, met niets anders dan de morgenster, die er erg groot uitzag. " (eigenlijk de planeet Venus, geen ster) wordt over het algemeen gezien als de grote witte die net links van het midden van het schilderij is geschilderd.
Eerdere brieven van Van Gogh's vermelden ook de sterren en de nachtelijke hemel, en zijn verlangen om ze te schilderen:

1. 'Wanneer zal ik ooit aan de sterrenhemel beginnen, die foto die altijd in mijn gedachten is?' (Brief aan Emile Bernard, circa 18 juni 1888)
2. "Wat de sterrenhemel betreft, ik blijf van harte hopen die te schilderen, en misschien zal ik dat een dezer dagen doen" (Brief aan Theo van Gogh, circa 26 september 1888).
3. "Op dit moment wil ik absoluut een sterrenhemel schilderen. Het lijkt me vaak dat de nacht nog rijker gekleurd is dan de dag; met tinten van de meest intense viooltjes, blues en greens. Als je er maar op let, zul je zien dat bepaalde sterren citroengeel zijn, andere roze of een groene, blauwe en vergeet-mij-niet schittering... het is duidelijk dat het aanbrengen van kleine witte stippen op het blauwzwart niet voldoende is om een ​​sterrenhemel te schilderen. "(Brief aan Wilhelmina van Gogh, 16 september 1888)

Het Restaurant de la Sirene, in Asnieres - Vincent van Gogh

Dit schilderij van Vincent van Gogh bevindt zich in de collectie van het Ashmolean Museum in Oxford, VK. Van Gogh schilderde het kort nadat hij in 1887 in Parijs was aangekomen om bij zijn broer Theo in Montmartre te wonen, waar Theo een kunstgalerie beheerde.
Vincent werd voor het eerst blootgesteld aan de schilderijen van de impressionisten (met name Monet) en ontmoette kunstenaars zoals Gauguin, Toulouse-Lautrec, Emile Bernard en Pissarro. Vergeleken met zijn eerdere werk, dat werd gedomineerd door donkere aardetinten die typisch zijn voor Noord-Europese schilders zoals Rembrandt, toont dit schilderij de invloed van deze kunstenaars op hem.
De kleuren die hij gebruikte zijn lichter en helderder geworden, en zijn penseelvoering is losser en duidelijker geworden. Bekijk deze details van het schilderij en je zult zien hoe hij kleine streken van pure kleur heeft gebruikt, apart gezet. Hij mengt geen kleuren op het doek, maar laat dit gebeuren in het oog van de toeschouwer. Hij probeert de gebroken kleur benadering van de impressionisten.
In vergelijking met zijn latere schilderijen zijn de kleurstroken uit elkaar geplaatst, met een neutrale achtergrond ertussen. Hij bedekt nog niet het hele canvas met verzadigde kleuren en maakt ook geen gebruik van de mogelijkheden om penselen te gebruiken om textuur in de verf zelf te creëren.

The Restaurant de la Sirene, at Asnieres door Vincent van Gogh (Detail)

Deze details uit Van Goghs schilderij The Restaurant de la Sirene, in Asnieres (in de collectie van het Ashmolean Museum), laten zien hoe hij experimenteerde met zijn penseelvoering en penseelstrepen na blootstelling aan de schilderijen van de impressionisten en andere hedendaagse Parijzenaars kunstenaars.

"Vier dansers" - Edgar Degas

Edgar Degas, vier dansers, c. 1899. Olieverf op canvas. Maat 59 1/2 x 71 inch (151,1 x 180,2 cm). In de National Gallery of Art, Washington.

"Portret van de moeder van de kunstenaar" - Whistler

Dit is mogelijk het beroemdste schilderij van Whistler. De volledige titel is "Arrangement in Grey and Black No. 1, Portrait of the Artist's Mother". Zijn moeder stemde ermee in om voor het schilderij te poseren toen het model dat Whistler had gebruikt ziek werd. Hij vroeg haar aanvankelijk om staand te poseren, maar zoals je kunt zien gaf hij toe en liet haar zitten.
Aan de muur hangt een ets van Whistler, "Black Lion Wharf." Als je heel goed kijkt naar het gordijn linksboven van de lijst van de ets zie je een lichtere vlek, dat is het vlindersymbool dat Whistler gebruikte om zijn schilderijen te signeren. Het symbool was niet altijd hetzelfde, maar het veranderde, en de vorm wordt gebruikt om zijn kunstwerken te dateren. Het is bekend dat hij het in 1869 begon te gebruiken.

"Hoop II" - Gustav Klimt

"Wie iets over mij wil weten - als kunstenaar, het enige opmerkelijke - moet goed naar mijn foto's kijken en erin proberen te zien wat ik ben en wat ik wil doen." Klimt.

Gustav Klimt schilderde Hoop II op canvas in 1907/8 met olieverf, goud en platina. Het is 43,5 x 43,5 inch (110,5 x 110,5 cm) groot. Het schilderij maakt deel uit van de collectie van de museum van Moderne Kunst in New York.
Hoop II is daar een mooi voorbeeld van Klimt's gebruik van bladgoud in schilderijen en zijn rijke sierstijl. Kijk naar de manier waarop hij het kledingstuk van de hoofdfiguur heeft geschilderd, hoe het een geabstraheerde vorm is versierd met cirkels, maar we 'lezen' het nog steeds als een mantel of jurk. Hoe het onderaan versmelt met de drie andere gezichten.
In zijn geïllustreerde biografie van Klimt zei kunstcriticus Frank Whitford:

Klimt 'bracht echt bladgoud en -zilver aan om de indruk dat het schilderij is een kostbaar object, niet in de verte een spiegel waarin een glimp van de natuur kan worden opgevangen, maar een zorgvuldig vervaardigd artefact. ' ²

Het is een symboliek die tegenwoordig nog steeds als geldig wordt beschouwd, aangezien goud nog steeds als een waardevol handelsartikel wordt beschouwd.
Klimt woonde in Wenen in Oostenrijk en haalde zijn inspiratie meer uit het oosten dan uit het westen, 'uit bronnen als Byzantijnse kunst, Myceense metaalbewerking, Perzische tapijten en miniaturen, de mozaïeken van de Ravenna-kerken en Japanse schermen. " ³
Bron:
1. Artiesten in context: Gustav Klimt door Frank Whitford (Collins & Brown, Londen, 1993), achterkant.
2. Ibid. p82.
3. MoMA-hoogtepunten (Museum of Modern Art, New York, 2004), p. 54

Picasso's handtekening

Dit is de handtekening van Picasso op zijn schilderij uit 1903 (uit zijn blauwe periode) met de titel "The Absinthe Drinker."
Picasso experimenteerde met verschillende verkorte versies van zijn naam als zijn schilderijhandtekening, waaronder omcirkelde initialen, alvorens op "Pablo Picasso" te gaan. Tegenwoordig horen we hem over het algemeen simpelweg noemen "Picasso."

Zijn volledige naam was: Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidad, Ruiz Picasso¹.
​
<sub>Bron:
1. "A Sum of Destructions: Picasso's Cultures and the Creation of Cubism", door Natasha Staller. Yale University Press. Pagina p209.</sub>

"De absintdrinker" - Picasso

Dit schilderij is gemaakt door Picasso in 1903, tijdens zijn Blauwe Periode (een tijd waarin blauwtinten de schilderijen van Picasso domineerden; toen hij in de twintig was). Het toont de kunstenaar Angel Fernandez de Soto, die enthousiaster was over feesten en drinken dan over zijn schilderij¹, en die twee keer een studio deelde met Picasso in Barcelona.
Het schilderij werd in juni 2010 geveild door de Andrew Lloyd Webber Foundation nadat in de VS een minnelijke schikking was bereikt over de eigendom, na een bewering van afstammelingen van de Duits-Joodse bankier Paul von Mendelssohn-Bartholdy dat het schilderij in de jaren dertig onder dwang was geweest tijdens het naziregime in Duitsland.

<sub>Bron:
1. Christie's veilinghuis persbericht, "Christie's to Offer Picasso Masterpiece", 17 maart 2010.</sub>

"De tragedie" - Picasso

Pablo Picasso, The Tragedy, 1903. Olie op hout. Maat 41 7/16 x 27 3/16 inch (105,3 x 69 cm). In de National Gallery of Art, Washington.

Het komt uit zijn Blauwe Periode, toen zijn schilderijen, zoals de naam suggereert, allemaal werden gedomineerd door blues.

Schets van Picasso voor zijn beroemde schilderij "Guernica"

Tijdens het plannen en werken aan zijn enorme schilderij Guernica, deed Picasso veel schetsen en studies. De foto toont een van hem samenstelling schetsen, die op zichzelf niet veel lijken, een verzameling gekrabbelde lijnen.

In plaats van te proberen te ontcijferen wat de verschillende dingen kunnen zijn en waar het zich bevindt in het uiteindelijke schilderij, kun je het beschouwen als een Picasso-steno. Gemakkelijk markeren voor beelden die hij in zijn hoofd had. Concentreer je op de manier waarop hij dit gebruikt om te beslissen waar hij elementen in het schilderij plaatst, op de interactie tussen deze elementen.

"Guernica" - Picasso

Dit beroemde schilderij van Picasso is enorm: 11 voet 6 inch hoog en 25 voet 8 inch breed (3,5 x 7,76 meter). Picasso schilderde het in opdracht voor het Spaanse paviljoen op de Wereldtentoonstelling van 1937 in Parijs. Het is in het Museo Reina Sofia in Madrid, Spanje.

"Portrait de Mr Minguell" - Picasso

Picasso maakte dit portretschilderij in 1901 toen hij 20 was. Het onderwerp een Catalaanse kleermaker, de heer Minguell, waarvan wordt aangenomen dat Picasso werd geïntroduceerd door zijn kunsthandelaar en vriend Pedro Manach¹. De stijl toont de training die Picasso had in de traditionele schilderkunst en hoe ver zijn schilderstijl zich ontwikkelde tijdens zijn carrière. Dat het op papier is geschilderd, is een teken dat het is gedaan in een tijd dat Picasso blut was en nog niet genoeg geld verdiende met zijn kunst om op canvas te schilderen.

Picasso gaf Minguell het schilderij cadeau, maar kocht het later terug en had het nog steeds toen hij stierf in 1973. Het schilderij is op canvas gezet en waarschijnlijk ook gerestaureerd onder leiding van Picasso "ergens voor 1969"², toen het werd gefotografeerd voor een boek van Christian Zervos over Picasso.

De volgende keer dat je deelneemt aan een van die etentjes-argumenten over hoe alle niet-realistische schilders alleen schilderen abstract, kubistisch, fauvistisch, impressionistisch, kies je stijl omdat ze geen "echte schilderijen" kunnen maken, vraag de persoon of ze Picasso in deze categorie hebben gezet (de meeste wel), en noem dan dit schilderij.

_{Bron:
1 & 2. Bonhams Sale 17802 Kavelgegevens verkoop impressionistische en moderne kunst 22 juni 2010. (Toegang tot 3 juni 2010.)}

"Dora Maar" of "Tête De Femme" - Picasso

Dit schilderij van Picasso werd in juni 2008 op een veiling verkocht voor £ 7.881.250 (US $ 15.509.512). De veilingschatting was drie tot vijf miljoen pond geweest.

Les Demoiselles d'Avignon - Picasso

Dit enorme schilderij (bijna acht vierkante voet) van Picasso wordt aangekondigd als een van de belangrijkste moderne kunstwerken ooit gemaakt, zo niet de het belangrijkste, een cruciaal schilderij in de ontwikkeling van moderne kunst. Het schilderij toont vijf vrouwen - prostituees in een bordeel - maar er is veel discussie over wat het allemaal betekent en alle verwijzingen en invloeden erin.
Kunstcriticus Jonathan Jones¹ zegt:

"Wat Picasso opviel aan Afrikaanse maskers [zichtbaar in de gezichten van de figuren aan de rechterkant] was de meest voor de hand liggende ding: dat ze je vermommen, je in iets anders veranderen - een dier, een demon, een god. Modernisme is een kunst die een masker draagt. Het zegt niet wat het betekent; het is geen raam maar een muur. Picasso koos zijn onderwerp juist omdat het een cliché was: hij wilde aantonen dat originaliteit in de kunst niet in het verhaal of de moraal ligt, maar in de formele uitvinding. Daarom is het misleidend om Les Demoiselles d'Avignon te zien als een schilderij 'over' bordelen, prostituees of kolonialisme. '

Bron:
1. Pablo's Punks door Jonathan Jones, The Guardian, 9 januari 2007.

"Vrouw met gitaar" - Georges Braque

Georges Braque, Vrouw met een gitaar, 1913. Olie en houtskool op canvas. 51 1/4 x 28 3/4 inch (130 x 73 cm). In het Musee National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Parijs.

The Red Studio - Henri Matisse

Dit schilderij is in de collectie van de Museum voor Moderne Kunst (Moma) in New York. Het toont het interieur van Matisse's schildersatelier, met een afgeplat perspectief of een enkel beeldvlak. De muren van zijn atelier waren niet echt rood, ze waren wit; hij gebruikte rood in zijn schilderij voor effect.
In zijn atelier zijn verschillende van zijn kunstwerken en stukjes studiomeubilair te zien. De contouren van de meubels in zijn atelier zijn lijnen in de verf die de kleur onthullen van een lagere, gele en blauwe laag, niet geverfd bovenop het rood.

1. "Schuine lijnen suggereren diepte, en het blauwgroene licht van het raam versterkt het gevoel van binnenruimte, maar de uitgestrektheid van rood maakt het beeld vlakker. Matisse versterkt dit effect door bijvoorbeeld de verticale lijn van de hoek van de kamer weg te laten. "
- MoMA Highlights, uitgegeven door Moma, 2004, pagina 77.

2. "Alle elementen... zinken hun individuele identiteit in wat een langdurige meditatie werd over kunst en leven, ruimte, tijd, perceptie en de aard van de werkelijkheid zelf... een kruispunt voor de westerse schilderkunst, waar de klassieke naar buiten gerichte, overwegend representatieve kunst uit het verleden het voorlopige, geïnternaliseerde en zelfreferentiële ethos van de toekomst ontmoette... "
- Hilary Spurling, pagina 81.

The Dance - Henri Matisse

De bovenste foto toont het voltooide schilderij met de titel van Matisse De dans, voltooid in 1910 en nu in het Staatsmuseum de Hermitage in Sint-Petersburg, Rusland. De onderste foto toont de compositiestudie op ware grootte die hij maakte voor het schilderij, nu in MOMA in New York, VS. Matisse schilderde het in opdracht van de Russische kunstverzamelaar Sergei Shchukin.
Het is een enorm schilderij, bijna vier meter breed en tweeënhalve meter hoog (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2"), en is geverfd met een palet dat beperkt is tot drie kleuren: rood, groen en blauw. Ik denk dat het een schilderij is dat laat zien waarom Matisse zo'n reputatie heeft als colorist, vooral als je de studie vergelijkt met het uiteindelijke schilderij met zijn gloeiende figuren.
In haar biografie van Matisse (op pagina 30) zegt Hilary Spurling:

"Degenen die de eerste versie van hebben gezien Dans beschreef het als bleek, delicaat, zelfs dromerig, geschilderd in kleuren die werden verhoogd... in de tweede versie tot een woest, plat fries van vermiljoenfiguren die trillen tegen banden van helder groen en lucht. Tijdgenoten zagen het schilderij als heidens en dionysisch. "

Let op het afgeplatte perspectief, hoe de figuren dezelfde grootte hebben in plaats van degene die verder weg van kleiner zijn, zoals zou gebeuren in perspectief of verkorting voor representatieve schilderijen. Hoe de lijn tussen het blauw en groen achter de figuren gebogen is, in navolging van de cirkel van figuren.

"Het oppervlak was tot verzadiging gekleurd, tot het punt waarop blauw, het idee van absoluut blauw, onomstotelijk aanwezig was. Een heldergroen voor de aarde en een levendig vermiljoen voor de lichamen. Met deze drie kleuren had ik mijn harmonie van licht en ook zuiverheid van toon. "- Matisse

Bron:
"Inleiding tot de tentoonstelling From Russian voor docenten en studenten" door Greg Harris, Royal Academy of Arts, Londen, 2008.

Beroemde schilders: Willem de Kooning

De schilder Willem de Kooning werd geboren in Rotterdam in Nederland op 24 augustus 1904 en stierf in Long Island, New York, op 19 maart 1997. De Kooning ging op zijn twaalfde in de leer bij een commercieel kunst- en decoratiebedrijf en volgde acht jaar avondlessen aan de Rotterdamse Academie voor Schone Kunsten en Techniek. Hij emigreerde in 1926 naar de VS en begon in 1936 fulltime met schilderen.

De schilderstijl van De Kooning was abstract expressionisme. Hij had zijn eerste solotentoonstelling in de Charles Egan Gallery in New York in 1948, met een oeuvre in zwart-wit emailverf. (Hij begon emailverf te gebruiken omdat hij zich geen kunstenaarspigmenten kon veroorloven.) In de jaren vijftig werd hij erkend als een van de leiders van het abstract expressionisme, hoewel sommige puristen van de stijl dachten dat zijn schilderijen (zoals zijn Vrouw series) bevatten te veel van de menselijke vorm.

Zijn schilderijen bevatten vele lagen, overlappende en verborgen elementen terwijl hij een schilderij herwerkte en herwerkte. Wijzigingen mogen worden weergegeven. Hij tekende uitvoerig op zijn doeken in houtskool, voor de eerste compositie en tijdens het schilderen. Zijn penseelvoering is gebaren, expressief, wild, met een gevoel van energie achter de slagen. De laatste blik op de schilderijen was klaar, maar was niet.

De artistieke output van De Kooning omvatte bijna zeven decennia en omvatte schilderijen, sculpturen, tekeningen en prenten. Zijn laatste schilderijen Source eind jaren tachtig. Zijn bekendste schilderijen zijn Roze engelen (ca. 1945), Uitgraving (1950), en zijn derde Vrouw series (1950–53) gedaan in een meer schilderkunstige stijl en improvisatie. In de jaren veertig werkte hij gelijktijdig in abstracte en representatieve stijlen. Zijn doorbraak kwam met zijn zwart-wit abstracte composities uit 1948–1949. In het midden van de jaren vijftig schilderde hij de stedelijke abstracties, keerde terug naar de figuratie in de jaren zestig en vervolgens naar de grote gebaren-abstracties in de jaren zeventig. In de jaren tachtig veranderde de Kooning in het werken op gladde oppervlakken, glazuur met heldere, transparante kleuren over fragmenten van gebarentekeningen.

American Gothic - Grant Wood

Amerikaanse gothiek is waarschijnlijk de beroemdste van alle schilderijen die de Amerikaanse kunstenaar Grant Wood ooit heeft gemaakt. Het is nu in het Art Institute of Chicago.

Grant Wood schilderde in 1930 "American Gothic". Het stelt een man en zijn dochter voor (niet zijn vrouw¹) staan ​​voor hun huis. Grant zag het gebouw dat het schilderij inspireerde in Eldon, Iowa. De bouwstijl is Amerikaans-gotisch, waaraan het schilderij zijn titel ontleent. De modellen voor het schilderij waren de zus van Wood en hun tandarts.². Het schilderij is gesigneerd aan de onderkant, op de overall van de man, met de naam van de kunstenaar en het jaartal (Grant Wood 1930).

Wat betekent het schilderij? Wood bedoelde het als een waardige weergave van het karakter van Amerikanen uit het Midwesten, en toonde hun puriteinse ethiek. Maar het kan worden beschouwd als een opmerking (satire) op de onverdraagzaamheid van plattelandsbevolking jegens buitenstaanders. De symboliek op het schilderij omvat dwangarbeid (de hooivork) en huiselijkheid (bloempotten en schort met koloniale print). Als je goed kijkt, zie je dat de drie tanden van de hooivork weerklinken in het stiksel op de overall van de man en doorgaan met de strepen op zijn overhemd.

^{Bron:
Amerikaanse gothiek, Art Institute of Chicago, teruggehaald 23 March 2011.}

"Christus van Sint-Jan van het Kruis" - Salvador Dali

Dit schilderij van Salvador Dali is in de collectie van de Kunstgalerie en museum van Kelvingrove in Glasgow, Schotland. Het werd voor het eerst getoond in de galerie op 23 juni 1952. Het schilderij werd gekocht voor £ 8.200, wat als een hoge prijs werd beschouwd, hoewel het auteursrecht bevatte waardoor de galerie reproductievergoedingen kon verdienen (en talloze ansichtkaarten kon verkopen!).
Het was ongebruikelijk dat Dali het auteursrecht op een schilderij verkocht, maar hij had het geld nodig. (Copyright blijft bij de artiest, tenzij deze is ondertekend, zie Veelgestelde vragen over auteursrechten.)

"Blijkbaar in financiële moeilijkheden, vroeg Dali aanvankelijk £ 12.000, maar na wat harde onderhandelingen... hij verkocht het voor bijna een derde minder en tekende in 1952 een brief aan de stad [van Glasgow] waarin hij het auteursrecht afstaat.

De titel van het schilderij is een verwijzing naar de tekening die Dali inspireerde. De pen- en inkttekening werd gemaakt naar een visioen dat de heilige Johannes van het Kruis (een Spaanse karmelietenbroeder, 1542-1591) had waarin hij de kruisiging van Christus zag alsof hij er van bovenaf naar keek. De compositie valt op door zijn ongewone kijk op de kruisiging van Christus, de verlichting is dramatisch werpend sterk schaduwen, en er wordt veel gebruik van gemaakt verkorting in de figuur. Het landschap onderaan het schilderij is de haven van Dali's geboorteplaats, Port Lligat in Spanje.
Het schilderij is in veel opzichten controversieel geweest: het bedrag dat ervoor werd betaald; het onderwerp; de stijl (die eerder retro dan modern leek). Lees meer over het schilderij op de website van de galerie.

Bron:
"Surrealistisch geval van de Dali-afbeeldingen en een strijd om artistieke licentie"door Severin Carrell, The Guardian, 27 januari 2009

Campbell's soepblikken - Andy Warhol

Detail van Andy Warhol Campbell's soepblikken. Acryl op doek. 32 schilderijen van elk 50,8 x 40,6 cm. In de collectie van de Museum voor Moderne Kunst (MoMA) in New York.
Warhol exposeerde voor het eerst zijn serie Campbell's soepblikschilderijen in 1962, waarbij de onderkant van elk schilderij op een plank rustte zoals een blik in een supermarkt zou doen. Er zijn 32 schilderijen in de serie, het aantal soorten soep dat op dat moment door Campbell's werd verkocht.
Als je je had voorgesteld dat Warhol zijn voorraadkast zou vullen met blikjes soep en dan een blik zou eten terwijl hij klaar was met schilderen, nou, dat lijkt het niet. Volgens de website van Moma gebruikte Warhol een productlijst van Campbell's om aan elk schilderij een andere smaak toe te kennen.
Toen hem ernaar werd gevraagd, zei Warhol:

'Ik dronk het altijd. Ik had elke dag dezelfde lunch, twintig jaar lang, denk ik, steeds weer hetzelfde. "¹

Warhol had blijkbaar ook geen bestelling waarin hij de schilderijen wilde laten zien. Moma toont de schilderijen "in rijen die de chronologische volgorde weerspiegelen waarin [de soepen] werden geïntroduceerd, te beginnen met 'Tomaat' linksboven, die debuteerde in 1897."

Dus als je een serie schildert en ze in een bepaalde volgorde wilt weergeven, zorg er dan voor dat je dit ergens noteert. De achterrand van de doeken is waarschijnlijk de beste, omdat deze dan niet van het schilderij wordt gescheiden (hoewel deze verborgen kan raken als de schilderijen worden ingelijst).
Warhol is een kunstenaar die vaak wordt genoemd door schilders die afgeleide werken willen maken. Twee dingen zijn het vermelden waard voordat u soortgelijke dingen doet:

1. Aan Moma's website, is er een indicatie van een licentie van Campbell's Soup Co (d.w.z. een licentieovereenkomst tussen het soepbedrijf en het landgoed van de kunstenaar).
2. Handhaving van het auteursrecht lijkt in de tijd van Warhol minder een probleem te zijn geweest. Maak geen aannames over auteursrechten op basis van het werk van Warhol. Doe uw onderzoek en beslis wat uw bezorgdheid is over een mogelijke inbreuk op het auteursrecht.

Campbell gaf Warhol geen opdracht om de schilderijen te maken (hoewel ze er later een opdracht gaven voor een aftredende bestuursvoorzitter in 1964) en maakte zich zorgen toen het merk in 1962 op de schilderijen van Warhol verscheen en een afwachtende houding aannam om te beoordelen wat de reactie was op de schilderijen. In 2004, 2006 en 2012 verkocht Campbell's blikken met speciale Warhol-herdenkingslabels.

<sub>Bron:
1. Zoals geciteerd op Moma, geraadpleegd op 31 augustus 2012.</sub>

Grotere bomen bij Warter - David Hockney

Top: Kunstenaar David Hockney stond naast een deel van zijn olieverfschilderij "Bigger Trees Near Warter", dat hij in april 2008 aan het Tate Britain schonk.
Bodem: Het schilderij werd voor het eerst tentoongesteld tijdens de zomertentoonstelling van 2007 in de Royal Academy in Londen en besloeg de hele muur.
Het olieverfschilderij van David Hockney "Bigger Trees Near Warter" (ook wel Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographique) toont een scène in de buurt van Bridlington in Yorkshire. Het schilderij is gemaakt van 50 naast elkaar geplaatste doeken. Bij elkaar opgeteld is de totale afmeting van het schilderij 40x15 voet (4,6x12 meter).
Toen Hockney het schilderde, was het het grootste stuk dat hij ooit had voltooid, maar niet het eerste dat hij met meerdere doeken had gemaakt.

" Ik deed dit omdat ik me realiseerde dat ik het zonder ladder kon. Als je aan het schilderen bent, moet je een stap terug kunnen doen. Welnu, er zijn artiesten die zijn vermoord terwijl ze van ladders afstapten, nietwaar?"
- Hockney geciteerd in een Reuter nieuwsbericht, 7 april 2008.

Hockney gebruikte tekeningen en een computer om te helpen bij het componeren en schilderen. Nadat een sectie was voltooid, werd er een foto gemaakt zodat hij het hele schilderij op de computer kon zien.

"Eerst schetste Hockney een raster dat laat zien hoe de scène op meer dan 50 panelen in elkaar zou passen. Daarna begon hij ter plaatse aan individuele panelen te werken. Terwijl hij eraan werkte, werden ze gefotografeerd en tot een computermozaïek gemaakt, zodat hij zijn vorderingen in kaart kon brengen, aangezien hij maar zes panelen tegelijk aan de muur kon hebben. "

Bron:
Charlotte Higgins, Voogd kunst correspondent, Hockney schenkt enorm veel werk aan Tate, 7 april 2008.

Henry Moore's War Paintings

De Henry Moore-tentoonstelling in de Tate Britain Gallery in Londen liep van 24 februari tot 8 augustus 2010.

De Britse kunstenaar Henry Moore is het meest bekend om zijn sculpturen, maar ook om zijn inkt, was en waterverfschilderijen van mensen die tijdens de Tweede Wereldoorlog schuilden in de metrostations in Londen. Moore was een officiële oorlogskunstenaar en de 2010 Henry Moore-tentoonstelling in de Tate Britain Gallery heeft een zaal die hieraan is gewijd. Gemaakt tussen de herfst van 1940 en de zomer van 1941, zijn afbeeldingen van slapende figuren ineengedoken in de trein tunnels kregen een gevoel van angst dat zijn reputatie veranderde en de populaire perceptie van de Blitz. Zijn werk uit de jaren vijftig weerspiegelde de nasleep van de oorlog en het vooruitzicht van verdere conflicten.
Moore werd geboren in Yorkshire en studeerde in 1919 aan de Leeds School of Art, nadat ze in de Eerste Wereldoorlog had gediend. In 1921 won hij een beurs voor het Royal College in Londen. Later gaf hij les aan het Royal College en aan de Chelsea School of Art. Vanaf 1940 woonde Moore in Perry Green in Hertfordshire, nu de thuisbasis van de Henry Moore Foundation. Op de Biënnale van Venetië in 1948 won Moore de International Sculpture Award.

"Frank" - Chuck Close

"Frank" door Chuck Close, 1969. Acryl op doek. Afmetingen 108 x 84 x 3 inch (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). In de Minneapolis Institute of Art.

Lucian Freud Zelfportret en fotoportret

De artiest Lucian Freud staat bekend om zijn intense, meedogenloze blik, maar zoals dit zelfportret laat zien, richt hij het op zichzelf, niet alleen op zijn modellen.

1. "Ik denk dat een geweldig portret te maken heeft met... het gevoel en de individualiteit en de intensiteit van het aanzien en de focus op het specifieke. " ¹
2. "... je moet proberen jezelf af te schilderen als een ander persoon. Met zelfportretten wordt 'gelijkenis' iets anders. Ik moet doen wat ik voel zonder een expressionist te zijn. " ²

<sup>Bron:
1. Lucian Freud, geciteerd in Freud at Work p32-3. 2. Lucian Freud geciteerd in Lucian Freud door William Feaver (Tate Publishing, Londen 2002), p43.</sup>

"De vader van Mona Lisa" - Man Ray

"The Father Of Mona Lisa" door Man Ray, 1967. Reproductie van tekening op hardboard, met sigaar toegevoegd. Afmetingen 18 x 13 5/8 x 2 5/8 inch (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). In de collectie van de Hirshorn Museum.
Veel mensen associëren Man Ray alleen met fotografie, maar hij was ook kunstenaar en schilder. Hij was bevriend met de kunstenaar Marcel Duchamp en werkte met hem samen.
In mei 1999 Art Nieuws magazine nam Man Ray op in hun lijst van de 25 meest invloedrijke kunstenaars van de 20e eeuw, voor zijn fotografie en "verkenningen van film, schilderkunst, beeldhouwkunst, collage, assemblage. Deze prototypes zouden uiteindelijk performance art en conceptuele kunst worden genoemd. "

Art News zei:

"Man Ray bood kunstenaars in alle media een voorbeeld van creatieve intelligentie die, in haar 'streven naar plezier en vrijheid', [Man Ray's verklaarde leidend principes] opende elke deur waar het naar toe kwam en liep vrij waar het zou gaan. "(Bron citaat: Art News, mei 1999," Willful Provocateur "door AD Coleman.)

Dit stuk, "De vader van Mona Lisa", laat zien hoe een relatief eenvoudig idee effectief kan zijn. Het moeilijkste is om in de eerste plaats met het idee op de proppen te komen; soms komen ze als een flits van inspiratie; soms als onderdeel van het brainstormen over ideeën; soms door een concept of gedachte te ontwikkelen en na te streven.

Beroemde schilders: Yves Klein

Retrospectief: Yves Klein-tentoonstelling in het Hirshhorn Museum in Washington, VS, van 20 mei 2010 tot 12 september 2010.

De kunstenaar Yves Klein is waarschijnlijk het meest bekend om zijn monochrome kunstwerken met zijn speciale blauw (zie bijvoorbeeld "Living Paintbrush"). IKB of International Klein Blue is een ultramarijnblauw dat hij formuleerde.

Hij noemde zichzelf 'de schilder van de ruimte', zocht naar immateriële spiritualiteit door pure kleur 'en hield zich bezig met de' hedendaagse noties van de conceptuele aard van kunst '.¹.

Klein had een relatief korte carrière, minder dan tien jaar. Zijn eerste openbare werk was een kunstenaarsboek Yves Peintures ("Yves Paintings"), gepubliceerd in 1954. Zijn eerste openbare tentoonstelling was in 1955. Hij stierf aan een hartaanval in 1962, 34 jaar oud. (Chronologie van Klein's Life van de Yves Klein Archief.)

<sub>Bron:
1. Yves Klein: With the Void, Full Powers, Hirshhorn Museum, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? key = 21 & subkey = 252, geraadpleegd op 13 mei 2010.</sub>

"Living Paintbrush" - Yves Klein

Dit schilderij van de Franse kunstenaar Yves Klein (1928-1962) is een van de series die hij gebruikte "levende penselen". Hij bedekte naakte vrouwenmodellen met zijn kenmerkende blauwe verf (International Klein Blue, IKB) en vervolgens in een performance-art voor een publiek 'geschilderd' met hen op grote vellen papier door hen te regisseren verbaal.
De titel "ANT154" is afgeleid van een commentaar van een kunstcriticus, Pierre Restany, die de schilderijen geproduceerd als "antropometrieën van de blauwe periode." Klein gebruikte de afkorting ANT als een reeks titel.

Zwart schilderen - Ad Reinhardt

"Er is iets mis, onverantwoordelijk en onzinnig aan kleur; iets dat onmogelijk te controleren is. Controle en rationaliteit maken deel uit van mijn moraal. " - Ad Reinhard in 1960 ¹

Dit monochrome schilderij van de Amerikaanse kunstenaar Ad Reinhardt (1913-1967) staat in het Museum of Modern Art (Moma) in New York. Het is 60x60 "(152,4x152,4 cm), olie op canvas, en werd geschilderd in 1960-61. De afgelopen tien jaar en een deel van zijn leven (hij stierf in 1967) gebruikte Reinhardt alleen zwart in zijn schilderijen.
Amy Sia, die de foto nam, zegt dat de bode erop wijst hoe het schilderij is opgedeeld in negen vierkanten, elk in een andere kleur zwart.
Maak je geen zorgen als je het niet op de foto kunt zien. Het is moeilijk te zien, zelfs als je voor het schilderij staat. In haar essay over Reinhardt voor het Guggenheim beschrijft Nancy Spector Reinhardts doeken als "gedempte zwarte vierkanten met nauwelijks waarneembare kruisvormige vormen [die] de grenzen van de zichtbaarheid uitdagen" ².
<sup>Bron:
1. Kleur in Art door John Gage, p205
2. Reinhardt door Nancy Spector, Guggenheim Museum (toegankelijk op 5 augustus 2013)</sup>

John Virtue's London Painting

De Britse kunstenaar John Virtue schildert sinds 1978 geabstraheerde landschappen met alleen zwart-wit. Op een dvd die is geproduceerd door de London National Gallery, zegt Virtue dat werken in zwart-wit hem dwingt "inventief te zijn... opnieuw uit te vinden". Uitlopende kleur "verdiept mijn gevoel voor welke kleur er is... Het gevoel van wat ik werkelijk zie... is het beste en nauwkeuriger en wordt beter overgebracht door geen oliepalet te hebben verf. De kleur zou een doodlopende weg zijn. "
Dit is een van de Londense schilderijen van John Virtue, gemaakt terwijl hij een associate artist was bij de National Gallery (van 2003 tot 2005). De De website van National Gallery beschrijft de schilderijen van Virtue als 'affiniteiten met oosterse penseelschildering en Amerikaans abstract expressionisme' en nauw verband houdend met 'de grote Engelse landschapsschilders, Turner en Constable, die Virtue enorm bewondert "en ook beïnvloed wordt door de" Nederlandse en Vlaamse landschappen van Ruisdael, Koninck en Rubens ".
Deugd geeft geen titels aan zijn schilderijen, maar cijfers. In een interview in het aprilnummer van 2005 Kunstenaars en illustratoren tijdschrift, Virtue zegt dat hij zijn werk chronologisch begon te nummeren in 1978 toen hij in zwart-wit begon te werken:

"Er is geen hiërarchie. Het maakt niet uit of het 28 voet of acht centimeter is. Het is een non-verbaal dagboek van mijn bestaan. "

Zijn schilderijen worden slechts "Landschap nr. 45" of "Landschap nr. 630" genoemd, enzovoort.

The Art Bin - Michael Landy

De Art Bin-tentoonstelling van kunstenaar Michael Landy vond plaats in de Galerij Zuid-Londen van 29 januari tot 14 maart 2010. Het concept is enorm (600m³) afvalbak ingebouwd in de galerieruimte, waarin kunst wordt weggegooid, "een monument voor creatieve mislukking"¹.
Maar niet zomaar een oude kunst; je moest een aanvraag indienen om je kunst in de prullenbak te gooien, online of in de galerie, waarbij Michael Landy of een van zijn vertegenwoordigers besliste of het wel of niet kon worden opgenomen. Als het werd geaccepteerd, werd het aan het ene uiteinde van een toren in de prullenbak gegooid.

Toen ik op de tentoonstelling was, werden er verschillende stukken naar binnen gegooid, en de persoon die het gooide had gehad veel oefening van de manier waarop hij het ene schilderij naar de andere kant van de container.
De kunstinterpretatie gaat het pad af van wanneer / waarom kunst als goed (of onzin) wordt beschouwd, de subjectiviteit in de waarde toegekend aan kunst, het verzamelen van kunst, de kracht van kunstverzamelaars en galerieën om kunstenaars te maken of te breken carrières.

Het was zeker interessant om langs de zijkanten te lopen en te kijken naar wat erin was gegooid, wat was gebroken (veel stukjes piepschuim) en wat niet (de meeste schilderijen op canvas waren heel). Ergens onderaan was er een grote schedelprint versierd met glas door Damien Hirst en een stuk van Tracey Emin. Wat zou kunnen zijn, zou uiteindelijk worden gerecycled (bijvoorbeeld brancards van papier en canvas) en de rest zou worden gestort. Begraven als afval, het is onwaarschijnlijk dat het over eeuwen door een archeoloog zal worden opgegraven.

_{Bron:
1&2. #Michael Landy: Art Bin ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), website van de South London Gallery, geraadpleegd op 13 maart 2010.}

Barack Obama - Shepard Fairey

Dit schilderij van de Amerikaanse politicus Barack Obama, collage met gemengde media, is gemaakt door straatartiest uit Los Angeles, Shepard Fairey. Het was de centrale portretafbeelding die werd gebruikt in de verkiezingscampagne van Obama in 2008, en werd verspreid als een print in beperkte oplage en gratis te downloaden. Het staat nu in de National Portrait Gallery in Washington DC.

1. "Om zijn Obama-poster te maken (wat hij in minder dan een week deed), pakte Fairey een nieuwsfoto van de kandidaat van internet. Hij zocht een Obama die er presidentieel uitzag... De kunstenaar vereenvoudigde vervolgens de lijnen en geometrie, gebruikmakend van een rood, wit en blauw patriottisch palet (waarmee hij speelt door het wit een beige en het blauw een pasteltint te maken)... vetgedrukte woorden ...
2. "Zijn Obama-posters (en veel van zijn commerciële en fijne kunstwerken) zijn herwerkingen van de technieken van revolutionaire propagandisten - de felle kleuren, gedurfde letters, geometrische eenvoud, heroïsche poses. "

Bron: ​
"Obama's goedkeuring aan de muur" door William Booth, Washington Post 18 mei 2008.

"Requiem, witte rozen en vlinders" - Damien Hirst

De Britse kunstenaar Damien Hirst is het meest bekend om zijn dieren die in formaldehyde zijn geconserveerd, maar in zijn vroege jaren 40 keerde hij terug naar olieverf. In oktober 2009 exposeerde hij voor het eerst in Londen schilderijen gemaakt tussen 2006 en 2008. Dit is een voorbeeld van een nog niet bekend schilderij van een bekende kunstenaar afkomstig van hem tentoonstelling bij de Wallace Collection in Londen getiteld "No Love Lost." (Data: 12 oktober 2009 tot 24 januari 2010.)
BBC nieuws citeerde Hirst.

"Hij schildert nu alleen nog met de hand", dat zijn "schilderijen twee jaar lang gênant waren en ik niet wilde iedereen om binnen te komen. "en dat hij" voor het eerst opnieuw moest leren schilderen sinds hij een tienerkunst was leerling."¹

Het persbericht bij de Wallace-tentoonstelling zei:

"'Blue Paintings' getuigen van een gedurfde nieuwe richting in zijn werk; een serie schilderijen die, in de woorden van de kunstenaar, 'diep verbonden zijn met het verleden'. ''

Verf op canvas aanbrengen is zeker een nieuwe richting voor Hirst en waar Hirst gaat, zullen kunststudenten waarschijnlijk volgen. Olieverf kan weer trendy worden.
About.com's Guide to London Travel, Laura Porter, ging naar de perspreview van Hirst's tentoonstelling en kreeg antwoord op de enige vraag die ik graag wilde weten: welke blauwe pigmenten gebruikte hij?

Laura kreeg te horen dat het was "Pruisisch blauw voor iedereen behalve één van de 25 schilderijen, die zwart is. 'Geen wonder dat het zo donker, smeulend blauw is!
Kunstcriticus Adrian Searle van The Guardian was niet erg positief over de schilderijen van Hirst:

"In het ergste geval ziet de tekening van Hirst er gewoon amateuristisch en adolescent uit. Zijn penseelvoering mist die uitstraling en zwier die je doen geloven in de leugens van de schilder. Hij kan het nog niet dragen. "²

<sub>Bron:
1 Hirst 'Gives Up Pickled Animals', BBC News, 1 oktober 2009
2. "De schilderijen van Damien Hirst zijn dodelijk saai, "Adrian Searle, Voogd, 14 oktober 2009.</sub>

Beroemde artiesten: Antony Gormley

Antony Gormley is een Britse kunstenaar die misschien wel het meest bekend is vanwege zijn sculptuur Angel of the North, onthuld in 1998. Het staat in Tyneside, Noordoost-Engeland, op een plek die ooit een kolenmijn was en verwelkomt je met zijn 54 meter brede vleugels.
In juli 2009 zag Gormley's installatiekunstwerk op de Vierde Plint op Trafalgar Square in Londen een vrijwilliger 100 dagen lang een uur lang op de plint staan, 24 uur per dag. In tegenstelling tot de andere sokkels op Trafalgar Square, heeft de vierde sokkel direct buiten de National Gallery geen permanent standbeeld. Sommige deelnemers waren zelf kunstenaars en schetsten hun ongebruikelijke standpunt (foto).
Antony Gormley werd in 1950 in Londen geboren. Hij studeerde aan verschillende hogescholen in het VK en boeddhisme in India en Sri Lanka, voordat hij zich tussen 1977 en 1979 toelegde op beeldhouwkunst aan de Slade School of Art in Londen. Zijn eerste solotentoonstelling was in de Whitechapel Art Gallery in 1981. In 1994 won Gormley de Turner Prize met zijn "Field for the British Isles".
Zijn biografie over de zijne website zegt:

... Antony Gormley heeft het menselijke beeld in de beeldhouwkunst nieuw leven ingeblazen door een radicaal onderzoek naar het lichaam als een plaats van herinnering en transformatie, waarbij hij zijn eigen lichaam als subject, instrument en materiaal gebruikt. Sinds 1990 heeft hij zijn aandacht voor de menselijke conditie uitgebreid om het collectieve lichaam en de relatie tussen het zelf en de ander te onderzoeken in grootschalige installaties ...

Gormley maakt niet het type figuur dat hij doet, omdat hij geen traditionele beelden kan maken. Hij haalt veeleer plezier uit het verschil en het vermogen dat ze ons geven om ze te interpreteren. In een interview met De tijden¹, hij zei:

"Traditionele beelden gaan niet over potentieel, maar over iets dat al voltooid is. Ze hebben een morele autoriteit die eerder onderdrukkend dan collaboratief is. Mijn werken erkennen hun leegte. "

^{Bron:
Antony Gormley, de man die de mal brak door John-Paul Flintoff, The Times, 2 maart 2008.}

Beroemde hedendaagse Britse schilders

Van links naar rechts, kunstenaars Bob en Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi HamblingBrian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blakeen Alison Watt.
De aanleiding was een bezichtiging van het schilderij Diana en Actaeon door Titiaan (ongezien, links) in de National Gallery in Londen, met als doel geld in te zamelen om het schilderij voor de galerie te kopen.

Beroemde artiesten: Lee Krasner en Jackson Pollock

Van deze twee schilders, Jackson Pollock is bekender dan Lee Krasner, maar zonder haar steun en promotie van zijn kunstwerken, zou hij misschien niet de plaats hebben in de kunsttijdlijn die hij heeft. Beiden geschilderd in een abstract expressionistische stijl. Krasner vocht op zichzelf om lovende kritieken, in plaats van alleen maar als Pollock's vrouw te worden beschouwd. Krasner heeft een erfenis nagelaten om het Pollock-Krasner Stichting, die beurzen geeft aan beeldend kunstenaars.

Ladder-ezel van Louis Aston Knight

Louis Aston Knight (1873-1948) was een in Parijs geboren Amerikaanse kunstenaar die bekend staat om zijn landschapsschilderijen. Hij trainde aanvankelijk onder zijn kunstenaarsvader, Daniel Ridgway Knight. Hij exposeerde voor het eerst op de Franse Salon in 1894 en bleef dat zijn hele leven doen, terwijl hij ook in Amerika bijval kreeg. Zijn schilderij De Afterglow werd in 1922 gekocht door de Amerikaanse president Warren Harding voor het Witte Huis.
Deze foto van de Archives of American Art, helaas, geeft ons geen locatie, maar je moet denken dat elke artiest bereid is om binnen te waden het water met zijn ezelladder en verf was óf heel toegewijd aan het observeren van de natuur óf heel het showman.

1897: A Women's Art Class

Deze foto uit 1897 uit de Archives of American Art toont een kunstles voor vrouwen met instructeur William Merritt Chase. In die tijd volgden mannen en vrouwen afzonderlijk kunstlessen, waar vrouwen door die tijd het geluk hadden überhaupt een kunstopleiding te kunnen volgen.

Art Summer School rond 1900

Kunststudenten aan de zomerklassen van de St Paul School of Fine Arts, Mendota, Minnesota, werden rond 1900 gefotografeerd met leraar Burt Harwood.
Afgezien van de mode, zijn grote zonnehoeden erg praktisch voor buiten schilderen omdat het de zon uit je ogen houdt en ervoor zorgt dat je gezicht niet verbrandt (net als een top met lange mouwen).

"Nelson's Ship in a Bottle" - Yinka Shonibar

Soms is het de schaal van een kunstwerk dat het een dramatische impact geeft, veel meer dan het onderwerp. "Nelson's Ship in a Bottle" van Yinka Shonibar is zo'n stuk.

"Nelson's Ship in a Bottle" van Yinka Shonibar is een schip van 2,35 meter hoog in een nog grotere fles. Het is een replica op schaal 1:29 van het vlaggenschip van vice-admiraal Nelson, HMS zege.
"Nelson's Ship in a Bottle" verscheen op 24 mei 2010 op de vierde sokkel op Trafalgar Square in Londen. De Vierde Plint stond leeg van 1841 tot 1999, toen de eerste van een lopende reeks hedendaagse kunstwerken, speciaal voor de plint in opdracht van de Vierde Plinth Commissioning Group.
Het kunstwerk voor "Nelson's Ship in a Bottle" was One & Other van Antony Gormley, waarin een andere persoon een uur lang, de klok rond, 100 dagen op de sokkel stond.
Van 2005 tot 2007 was er een sculptuur van Marc Quinn te zien, Alison Lapper zwanger, en vanaf november 2007 was het model voor een hotel 2007 door Thomas Schutte.
De batikontwerpen op de zeilen van "Nelson's Ship in a Bottle" werden door de kunstenaar met de hand gedrukt op canvas, geïnspireerd door stoffen uit Afrika en de geschiedenis daarvan. De fles is 5x2,8 meter, gemaakt van perspex, niet van glas, en de flesopening is groot genoeg om erin te klimmen om het schip te bouwen.