Oorsprong en scholen voor abstracte kunst

Abstracte kunst (ook wel genoemd niet-objectieve kunst) is een schilderij of sculptuur dat geen persoon, plaats of ding in de natuurlijke wereld weergeeft. Bij abstracte kunst is het onderwerp van het werk wat je ziet: kleur, vormen, penseelstreken, grootte, schaal en in sommige gevallen het proces zelf, zoals in actie schilderen.

Abstracte kunstenaars streven ernaar niet-objectief en niet-representatief te zijn, zodat de kijker de betekenis van elk kunstwerk op zijn eigen manier kan interpreteren. Abstracte kunst is dus geen overdreven of vervormde kijk op de wereld zoals we die zien in de kubistische schilderijen van Paul Cézanne (1839–1906) en Pablo Picasso (1881–1973), want ze presenteren een soort conceptueel realisme. In plaats daarvan worden vorm en kleur de focus en het onderwerp van het stuk.

Sommige mensen beweren misschien dat abstracte kunst niet de technische vaardigheden van representatieve kunst vereist, maar anderen zouden willen verschillen. Het is inderdaad een van de belangrijkste debatten in de moderne kunst geworden. Als Russische abstracte kunstenaar

'Van alle kunsten is abstract schilderen het moeilijkst. Het vereist dat je goed kunt tekenen, dat je een verhoogde gevoeligheid hebt voor compositie en voor kleuren, en dat je een echte dichter bent. Dit laatste is essentieel. '

Kunsthistorici beschouwen het begin van de 20e eeuw meestal als belangrijk historisch moment in de geschiedenis van de abstracte kunst. Gedurende deze tijd werkten kunstenaars om wat zij definieerden als "pure kunst" te creëren: creatieve werken die niet gebaseerd waren op visuele waarnemingen, maar op de verbeeldingskracht van de kunstenaar. Invloedrijke werken uit deze periode zijn onder meer Kandinsky's "Picture with a Circle" uit 1911 en "Caoutchouc", gemaakt door de Franse avant-garde kunstenaar Francis Picabia (1879–1953) in 1909.

De wortels van de abstracte kunst zijn echter veel verder terug te vinden. Kunstenaars geassocieerd met bewegingen zoals de 19e eeuw Impressionisme en het expressionisme experimenteerden met het idee dat schilderen emotie en subjectiviteit kan vangen. Het hoeft niet alleen gericht te zijn op schijnbaar objectieve visuele waarnemingen. Nog verder teruggaand, veel oude rotstekeningen, textielpatronen en aardewerkontwerpen legden een symbolische realiteit vast in plaats van te proberen objecten te presenteren zoals wij ze zien.

Kandinsky wordt vaak beschouwd als een van de meest invloedrijke abstracte kunstenaars. Een kijk op hoe zijn stijl door de jaren heen is geëvolueerd van representatieve naar pure abstracte kunst is een fascinerende kijk op de beweging in het algemeen. Kandinsky zelf was bedreven in het uitleggen hoe een abstracte kunstenaar kleur kan gebruiken om een ​​schijnbaar zinloos werkdoel te geven.

Kandinsky geloofde dat kleuren emoties oproepen. Rood was levendig en zelfverzekerd; groen was vredig met innerlijke kracht; blauw was diep en bovennatuurlijk; geel kan warm, opwindend, verontrustend of helemaal gek zijn; en wit leek stil maar vol mogelijkheden. Hij wees ook instrumenttonen toe bij elke kleur. Rood klonk als een trompet; groen klonk als een viool in de middenstand; lichtblauw klonk als een fluit; donkerblauw klonk als een cello, geel klonk als een fanfare van trompetten; wit klonk als de pauze in een harmonieuze melodie.

Deze analogieën met geluiden kwamen voort uit Kandinsky's waardering voor muziek, vooral het werk van de hedendaagse Weense componist Arnold Schoenberg (1874–1951). De titels van Kandinsky verwijzen vaak naar de kleuren in de compositie of naar muziek, bijvoorbeeld "Improvisation 28" en "Composition II."

De Franse kunstenaar Robert Delaunay (1885–1941) behoorde tot Kandinsky's Blue Rider (Die Blaue Reiter) groep. Met zijn vrouw, de in Rusland geboren Sonia Delaunay-Turk (1885–1979), werden ze beiden aangetrokken tot abstractie in hun eigen beweging, Orfisme of orfisch kubisme.

Tegenwoordig is 'abstracte kunst' vaak een overkoepelende term die een breed scala aan stijlen en kunststromingen omvat. Hieronder vallen niet-representatieve kunst, niet-objectieve kunst, abstract expressionisme, art informel (een vorm van gebarenkunst), en zelfs sommige op kunst (optische kunst, verwijzend naar kunst die gebruik maakt van optische illusies). Abstracte kunst kan gebarend, geometrisch, vloeiend of figuratief zijn - impliceert dingen die niet visueel zijn, zoals emotie, geluid of spiritualiteit.

Hoewel we de neiging hebben om abstracte kunst te associëren met schilderen en beeldhouwen, kan het van toepassing zijn op elk visueel medium, inclusief assemblage en fotografie. Toch zijn het de schilders die in deze beweging de meeste aandacht krijgen. Er zijn veel opmerkelijke kunstenaars die de verschillende benaderingen vertegenwoordigen die men kan volgen voor abstracte kunst en ze hebben aanzienlijke invloed gehad op moderne kunst.

• Carlo Carrà (1881–1966) was een Italiaanse schilder die vooral bekend was vanwege zijn werk in het futurisme, een vorm van abstracte kunst die de nadruk legde op de energie en de snel veranderende technologie van het begin van de 20e eeuw. Gedurende zijn carrière, hij werkte in het kubisme ook en veel van zijn schilderijen waren abstracties van de werkelijkheid. Maar zijn manifest, "Schilderen van geluiden, geluiden en geuren" (1913) beïnvloedde veel abstracte kunstenaars. Het verklaart zijn fascinatie voor synesthesie, een zintuiglijke cross-over waarbij men bijvoorbeeld een kleur "ruikt", die de kern vormt van veel abstracte kunstwerken.
• Umberto Boccioni (1882–1916) was een andere Italiaanse futurist die zich concentreerde op geometrische vormen en sterk werd beïnvloed door het kubisme. Zijn werk toont vaak fysieke beweging zoals te zien is in "State of Mind" (1911). Deze serie van drie schilderijen legt de beweging en emotie van een treinstation vast in plaats van de fysieke weergave van passagiers en treinen.
• Kazimir Malevich (1878–1935) was een Russische schilder die door velen wordt beschreven als een pionier op het gebied van geometrische abstracte kunst. Een van zijn bekendste werken is "Black Square" (1915). Het is simplistisch maar absoluut fascinerend voor kunsthistorici omdat, zoals een analyse van de Tate vermeldt: 'Het is de eerste keer dat iemand een schilderij maakte dat niet van iets was'.
• Jackson Pollock (1912–1956), een Amerikaanse schilder, wordt vaak gezien als de ideale weergave van Abstract expressionismeof action painting. Zijn werk is meer dan druppels en verfspetters op canvas, maar volledig gebaren en ritmisch en vaak met zeer niet-traditionele technieken. Bijvoorbeeld, "Full Fathom Five" (1947) is een olie op canvas, deels gemaakt met kopspijkers, munten, sigaretten en nog veel meer. Sommige van zijn werk, zoals "Er waren zeven in acht" (1945) zijn enorm en strekken zich uit over een breedte van acht voet.
• Mark Rothko (1903–1970) brachten de geometrische abstracts van Malevich naar een nieuw niveau van modernisme met kleurveldschildering. Deze Amerikaanse schilder groeide op in de jaren veertig en vereenvoudigde kleur tot een onderwerp op zichzelf, en definieerde abstracte kunst voor de volgende generatie. Zijn schilderijen, zoals "Four Darks in Red" (1958) en "Oranje, rood en geel" (1961), vallen net zo op door hun stijl als door hun grote formaat.